文艺复兴时期曲目解说 | 吉他大师帕肯宁教学连载(88)

接上期：吉他曲目 | 吉他大师帕肯宁教学连载（87）

文艺复兴时期（1500-1625）

文艺复兴时期是艺术史上一个重振辉煌的时代，其实也是包括社会生活等许多方面都空前繁荣的时代，在文学、建筑、科技和艺术诸多领域都取得了重大成就。作为中世纪到近现代的转折，文艺复兴为音乐开创了一个丰富多彩、光芒灿烂的篇章。尽管当时已有很多单声部乐曲，但也被认为是出现大量复调音乐和舞曲的时期。那时主要的音乐形式是舞曲（加利亚德、阿尔曼、帕凡舞曲等）、幻想曲、变奏曲和寻觅曲。民间乐器主要有鲁特琴、维维拉琴和四弦吉他（文艺复兴吉他）。所有这些乐器当年都提供了大量的原始书面素材，而被编撰成为今天古典吉他音乐中的一部分成果。这个章节将要呈现的作品全部出自那一时期这些弹拨乐器的原创音乐。

著名作曲家：贝萨尔德、拜德、卡廷、道兰、弗拉纳、加里内伊、霍尔伯尼、约翰森、莱罗伊、米兰、米拉诺、莫利纳洛、穆达拉、纳瓦埃兹、纽西德勒、帕利斯特里纳、普拉伊托琉斯、罗宾逊和瓦尔德拉巴诺。

Notable Composers: Besard, Byrd, Cutting, Dowland, Fuenllana, Galilei, Holborne, Johnson, LeRoy, Milan, Milano, Molinaro, Mudarra, Narvaez, Neusidler, Palestrina, Praetorious, Robinson and V alderrabano.

演奏提示

佚名-舞曲（p68）

曲目解说：这四首曲子常被合成为一系列组曲，包括前面的《前奏曲》（P52）和《Boanco Fiore》（P55）。在这本教材里，也被编排在六首文艺复兴时期的鲁特琴曲的系列曲目当中。第一首前面是两小节一个乐句，而第5-7小节和8-10小节是三小节的乐句。在重复的乐句中要做到由强到弱的变化，还要在第11-12小节和13-14小节的乐句之间体现出对比的效果，尽管它们并不相同，但是是平行展开的。

演奏技巧：第11小节可尝试用拇指轻弹，整个指肉或指甲拨弦都行。如果用指甲，需保持略微倾斜的角度滑过琴弦，不要直接使用拇指指甲正中部分，因为这样会产生单薄和尖厉的声音。5-6和8-9小节用4指作引导。为避免杂音，弹低音的手指离弦要果断，并迅速做出切换。

佚名-加里亚达（P69）

曲目解说：这首明快的舞曲，富于节奏的变化，四小节为一部分的分段很明确。在有标记的地方，要尽量把近码音和柔音的明显对比弹出来。每小节第一拍是次重音，并持续保持三拍。这个方法可能有些难度，因为第7，15，和23小节的低音替换成了第二拍的重音。第9,13和21小节尝试用断奏弹出。

演奏技巧：先借助节拍器帮助判断乐曲的节拍点，尤其要保证第9和21小节的十六分音符正好落在点上。第8小节当用拇指指甲在靠近琴桥处拨弦时，泛音要清晰的浮现出来。注意第25小节，怎样利用1弦空弦音来完成2弦从高把位到低把位的过渡。塞戈维亚的音乐技巧里就经常使用这项技术。

佚名-坎佐那（p70）

曲目解说：这首忧伤的曲子不能弹得太缓慢。前四小节似叙述式的铺垫。第3小节的十六分音要弹出弱小而自由的装饰效果。

第二部分的第6小节，始于两个小节的对答式织体。第8小节运用了优美的对位模仿。主题旋律以五音为一组，由低音声部的中音导出，在其后慢二拍的位置又以高八度的音高模仿出来。然后又用降五度的低音展现，再提高八度重现一次，最后结束在第10小节的A和弦。可以尝试用你自己的理解去模仿原来的主题。接下来是反复部分，但却高开八度起始，并在第14小节出人意外地以F调主和弦结束。为了突出总体对比，11小节的主题应该在二弦上弹奏，并施加优雅舒缓的揉弦。同样，在随后的4弦上的模仿主题音也要采用这个方法。

演奏技巧：要在开放和弦上努力做到适当的动态平衡。旋律应当比和声部分突出。在第三小节时应当用不靠弦弹法，交替使用im指维持微妙的音质。在模仿部分，特别注意每一个声部，要让每一个音符都发出充分的时值。作品结尾的颤音应当从A开始使用勾弦，慢速开始，逐渐向末尾的颤音加速。这样不仅会更简单，而且也创造了良好的音乐效果。

这首作品可以在标准调弦下演奏，但这里的指法标注是第六弦下调为D音，因此可以与其他佚名文艺复兴鲁特琴作品一起无间断地演奏。

佚名-萨塔雷洛（p70）

曲目解说：萨塔雷洛是一种轻快活泼的意大利舞蹈。本书摘录的这首曲子来源于佚名的意大利鲁特琴曲集中华美的终曲。它的旋律有点类似同一时期英国的沃尔塔。

这首曲子迷人的地方在于贯穿大部分的固定的持续低音，起到一种稳定的伴随作用，但又不至于掩没旋律的进行。

乐曲分8小节为一乐段，4小节为一个乐句，很多地方要求做到音色的表现和明暗的对比。其中主要有两个旋律主题，每个都跟随一些变奏。第一个主题要求使用不太强烈的圆滑音，使旋律轻浮出来。第二个主题（从17小节开始）是非常强劲的近码音。第一主题在第33小节以低8度音高反复，这部分要突出明亮清晰的音色。

演奏技巧：此曲最重要的要求是确保持续低音与主旋律之间的融合。刚开始用很慢的速度练习，注意右手指法，需训练手指适当的独立性。这是少有的几首适合练习旋律进行的最好的乐曲之一，因为没有低音部分的指法安排。

长滑音部分也要单独分开练习，要做到节奏和力度的均衡。旋律进行到结束处，再从结束线回到开头练习。例如，在15小节，弹出后面两个八分音符后，就紧紧停留在下一个小节的第一拍，以此为止。当这个移动能顺利完成后，再回到15小节的后面四个八分音符练习，并结束在同一个位置。在弹下一对八分音符前需做到每个片段练习的完美。很快你就可以回到第13小节的开头，开始稳定的运行。左手姿势要保持适当平衡，关节要与琴颈平行。用力弹响圆滑奏后顺势停留在邻弦（类似靠弦奏法）。要确保力度和均衡，需花足够时间去练习每一组第一个音的衔接。

三个结束句以泛音为和弦的最高音要清晰显现出来。

米兰-帕凡（P72）

曲目解说：这首帕凡是一曲缓慢行进的意大利宫廷舞曲。大部分帕凡舞曲为四拍节奏（比如这首），当然也有一些是三拍节奏。这首帕凡摘自1535年出版的一本鲁特琴专著《大师手册》，全曲每四小节为一个乐句，而第四组是个特例，多出一小节。它采用间隙性的对位方法——一个和声声部包含一个非对位音，和与其相对的对位音，使全曲始终贯穿一种紧张而有节律的波动，也为每个四小节乐句末尾的两个半音和弦确定了节奏。弹奏时尽量做到音色饱满，突出庄重华贵（maestoso）的气氛。

演奏技巧：此曲不宜太快，可以以18-19小节作为速度尝试。速度确定下来后就以这个节奏为准，可以进行分段单独练习。右手指法至始至终姿势一致以保持连贯，并且要明确表现当时的音乐背景。

在三音和弦和四音和弦上，尤其是第22-25小节，要尽量提高音量，营造一种欢乐的平衡。突出旋律时要加强a指的力度，其他各指只作被动的移动。在复调音乐里做到适当的平均有些难度，但这种类型的和声练习可以帮助你提高这方面的能力。

在系列的间隙和声中（如第11,14,15,16,20小节），要保证延音的明亮，并持续到下一个和声，以达到间隙对位的持久和谐。

约翰森-阿尔曼（p73）

曲目解说：英语Alman(法语Allemande)是一种二拍或四拍的中速舞蹈。本曲由四个八小节的乐段组成。第二和第四乐段是第一和第三乐段的变奏（AA’BB’）,一定要体现出来。变奏要体现在动感和音色上，要留心乐句之间两小节的衔接。乐句从不完全小节开始（即前一小节的第四拍），注意这一拍是不发声的，它只是延续到后一小节需要发声的第一拍。

通过观察不难发现，两段的旋律线总体上是相似的，都以低音开始，在中间升到最高，随后再降下去。在A段，旋律结构指向第3小节的高音C，然后原路返回。B段的序列音始于第17小节，在第18小节末尾进行到最高音，然后由此一路下降到22小节，最后进入结束部分。在乐句之间的两小节的连接时，头脑中要形成旋律走向的大致轮廓。尝试在旋律线上升途中同时加大音量，但最高音要弹得轻一些。

乐曲附加部分，可以在最后重复第一段和最后一段（AA’BB’AB’）.

演奏技巧：八分附点开始的部分要清楚地表现出特别的节奏感。为避免十六分音符出现拖延，可将节拍器设置为八分音符一拍，在每两拍的中间弹出十六分音。对比一下这种接合与下一部分（A’）当中八分音符的连音变奏有何不同。第三和第四段（17-32小节）拨弦要宏亮，使伴音听起来像古老教堂里鲁特琴的回声。确信每个音保持足够的时值，对位和声的接合要表现得生动。尤其第19小节是个难点，一定要保持高音A时值的延续。弹这个A时要用靠弦，弹后面的系列旋律也一样，下行音的动作要强烈一点。

贝萨尔德-布兰利和沃特（p74）

曲目解说：这是一组互相对比的优美舞曲。布兰利是中速四四拍，而沃特属于较快的四三拍，有点类似吉格的感觉。布兰利音乐开始于小节当中第二拍，这个不太常见。所有两小节的乐句都遵循一个特征-----重音都在每一句的第二拍，在下一乐句开始前的小节中，第一拍过后都有一个轻微的换气停留。还要注意3-4小节是如何作为1-2小节的变奏的，7-8小节又是如何从5-6小节变化的。9-10小节左手指法在高把位，要奏出柔和的声音。最后一个小节用拇指轻拨，使和声结束在一种稳定圆满的感觉中。

沃特的重音在每小节的第1,3,5个八分音上，后面一个音的延长听起来像是三拍的感觉。

所以有些地方重音用在第1和第4个八分音也许更合适，这样乐曲就变成了6/8拍（如第6,14小节），八六拍只是重音作了替换。可尝试更快的拨弦，弹出一种舞蹈般节奏和感觉。

演奏技巧：布兰利第1和第3小节的最后一拍，和声升高直至高音B. 第2小节低音声部的F#与高音A之间的延音似乎不容易做到，你可以把本节的后面三个低音抬高一个八度。第7小节跳进到F#好像有些困难，但为了在2弦上表现完美的音色，值得努力去实现。在4指按住F#后，尽快把2指放上去。第9小节的第二个低音空弦A，起到向第7品的D和B转移时的过渡作用，在低音还在延续时完成转换。下降到B时用1指在3弦上作引导。

沃特一曲，对不完全小节的处理时，使用1指和3指同时放下，直到组成后面第一小节的D和弦开始。要适当突出重音的节奏感。第3小节，4指在按高音A时，将3指放在G#，这样可以使4指在迅速移动到2弦的E时，起到很好的支撑作用。第4小节的高音A应该比后面两个音弹得轻一些。快速的部分相对独立，要分开来练习，这个地方尤其要注意右手指法的准确。要确保低音的声音不要延续到变成和声的时候，比如第14小节——当弹D的时候要用拇指背把A音止住。

道兰-加利亚德（p75）

曲目解说：加利亚德源于意大利的一种活泼舞蹈，通常为三拍，但你所见的这一首既不是意大利风格也不是三拍节奏，而出自英国伊丽莎白时代早期的鲁特琴大师约翰.道兰之手，采用的是简单的四二拍。尽管原创是道兰，但这首曲子实际为墨西哥作曲家曼纽尔.庞塞所改编，他同时还为塞哥维亚改编了类似风格的其他作曲家的作品。

节选的这首只有朴实前行的旋律。要用明快的节奏弹出响亮迈步行进的感觉。我将其收录在专辑《集体狂欢》里，使用了变调夹夹3品，以制造一种原始鲁特琴的效果。乐曲可以延长，专辑使用的是AABBAAB的结构。

演奏技巧：尽量使用指甲中部拨弦，以取得鲁特琴那种较重的回音，以接近琴码处的拨弦占主导。在11和18小节，高音A用靠弦，弹的时候要止住低音弦发声。和声要有起伏感，为表现明亮的断奏效果，你会发现在开始和最后的和声上，更需要做出起伏。最后一个和声对比，用拇指弹两个低音弦，再用其他手指弹高音弦。

道兰-阿莱曼德 （p76）

曲目解说：这首曲子同样收录在《集体狂欢》（变调夹3品），它是道兰的重要作品之一。

请在两个乐句间使用富于动感的对比的声调，去展现明快的舞蹈般的感觉。例如，前两个小节可用近码音弹得响亮一些，3-4小节的重复则用音孔音弹得柔和一些，前后都可使用略轻的断奏。注意第9-16小节是1-8小节的润色，1-8小节的处理起着关键作用。新乐句开始前有一个停顿，这时要中止所有的音。23-26小节的和声要弹得圆润饱满，这同样适用于31-34小节与35-36小节的对比处理。从38小节的最后一拍直到40小节的巅峰高音A之间的进行要采用渐强的力度。

演奏技巧：仔细关注此曲的细节处理，要展现其中的音乐精华部分。认真研究所有的指法，把每个音的时值保留到位，并确保你对节奏有准确的理解。

为追求响亮的效果，开始的前两节的音最为强劲有力，这时在位于琴桥处使用指甲中端，手掌和手指适当挺直，从面板由里往外拨弦。在23-26小节的和弦也同样依靠前臂的强劲发力。第三个和声音标明拇指拨弦，拨弦时，左手4指放倒，轻轻抑住5弦。以下的27-28小节，在做和弦转换时，你的4指须作为保留指。在29小节，确保每个旋律音和后面音的连接要紧密，获得一种超常的和谐感，这个同样可用在第41小节。