华人秀音乐:你以为弹摇滚吉他“蹭蹭蹭”就可以不用唱歌了? ... ...

1.

建构完整的音乐轮廓

塑造一首歌曲的基本三元素是旋律、节奏、和声，世界上能一次同时表达这三件事情的乐器不多，所以你有没有发现“创作歌手”的基本技能不是钢琴就是吉他，很少会看到一个创作者说，“我擅长小喇叭，我都用小喇叭创作”。在乐队里也会发现主力创作的人通常是吉他手、键盘手，很少看到一个“纯鼓手”领导整个团队的音乐作品。

2.

建立音感的绝佳训练

一般玩Rock的乐手通常不是科班出生，对听力、视唱、绝对音感这块通常比较弱。且吉他设计有个缺点，就是它把格子划分的很清楚，所以你并不是依据“耳朵”去弹奏音符，而是“眼睛”去记忆格子（这点小提琴/二胡类的乐器大胜），所以听力进步比较缓慢。唱歌就是一个很倚赖听力的音感训练方式，音乐老师都会说要提升音感，唱就对了。加上吉他单音/和弦的辅助，可以让你辨别音准，还可以让你在有和声的背景下，去做各种音程的准度锻炼。

3.

提升协调性

每个鼓手都知道，除了拍子，协调性是最重要的，初学者最痛苦的就是同手同脚，四肢无法自如操作，想象一下，鼓手双手双脚必须诠释不同音符拍值，且又要合在同一条节奏在线，这需要非常多的时间做四肢独立性的练习。而吉他左手按和弦，右手扫节奏或分解，运用到了“两肢”，若加上一张嘴唱旋律线，通常整个就会乱。一般来说旋律线节奏性较低，手部的弹奏是稳定节奏，如果你能把自弹自唱做好（音准/节奏互不影响干扰），也代表你的协调性很不错，那会全面提升你的“律动感（节奏性）”，双手的独立性（控制）也会更棒。

4.

训练舞台动作

若你是一个想上台表演，重视舞台感/动作的人（尤其那种拿吉他的主唱），除了自弹自唱，再分享一个小经验，把你的脚加进去打拍子，等你的嘴、手、脚都能协调时，就把头、整个身体躯干融进去，慢慢会发现，你整个人都可以协调契合在律动里。

不管你日后是要走funk扭动路线、雷鬼wave律动、hiphop大颗粒重拍、日系手很忙风格、还是金属甩头等等，全身的协调性是“律动的基础”。现在的音乐表演是融合视觉的综合艺术，多感官的诠释已是主流，我曾经看过一个金属大团，不管是音乐、造型、爆发力都百分百，但breakdown段落出现时，某个前排的乐手头/身体一直对不到拍点，甚至跟其他团员完全反拍，就好像小学生做体操，全部右转，只有他一个人左转，非常突兀，也不好看，可惜了这么棒的演出。

很多学生常常抱怨，我又不用唱歌，干嘛练习自弹自唱，而且还要加身体律动！我说，当你能边唱边弹，身体又能协调律动，那以后什么舞台动作都难不倒你了。

5.

创作

很多吉他手不愿意练习弹唱，是因为他们觉得上台又不用唱，但有趣的是，大多数吉他手都很积极的想写歌创作。我可以告诉你，创作跟唱歌有非常非常巨大的关系。

如果你是一个有尝试过创作的人，也听过很多创作理论（甚至上过课程），会发现不管懂再多学术公式，给你一张空白纸，你的脑袋还是很难快速的建构“旋律线”，你仔细观察那些会写歌的人，通常都是随便扔几个和弦，就哼出一堆音符。

创作当然有SOP，无敌四和弦1645快速写歌的秘密也早就不是秘密，但对旋律的敏锐与直觉才是一个创作者真正的必杀技。真正有在接触创作的人就知道，就算你是个博学多闻，乐理超强的作家，多数时候还是“倚靠直觉”的，那个直觉就是当下“哼出来”的那个Fu，有时候感觉对了就对了，感觉错了就错了，那些强大的乐理工具其实是在“细修”时比较常用。

那要如何培养对旋律线的敏锐？就是多听、多唱、而且要自弹自唱，用力的去品尝旋律附在和弦上的感受，日子久了，你的直觉也就更多更准了。

当然，如果只是训练直觉，那去KTV也可以做到，但自己伴奏的最大好处就是可以“玩”，可以改编，你可以改变速度、改编和弦、改变节奏，甚至重组旋律跟段落，这样对创作训练的效果更棒更多元（还有编曲能力也会大提升）。

6.

沟通效率

这是一个我实际跟乐队合作的小小体悟，例如你写了一首歌，你要教主唱，然后主唱不会读谱、也抓不到你的口吻跟情绪，其实直接唱给他听是最快的，最好搭配吉他，给个基本节奏、和弦，架构越清楚就能表达越清晰。要修改讨论也都是直接唱来唱去最有效率，我遇过很多创作者只是把音符写出来（不敢/不会/不想唱），主唱常常都要用很强大的“想象力”才能理解曲子。

对很多喜欢在排练室里即兴创作的人，唱绝对是最重要的，比如你想加个弦乐、加个Riff，加个solo，配和声、改编Bass line，就给他大声唱出来吧。

7.

和声

这就不用多说了，除非你演出请得起专门的和声，不然乐手常常都要兼具合音小天使的角色，而且唱合声比唱主旋律更难，更需要稳定的音准跟良好的听觉。和弦型的乐器是最好训练和声的工具，你还不唱吗！