民谣吉他弹唱常见问题及解答—4

问：我是自学民谣的，现在会弹几首歌，但不知道那些是每天必练的，可以讲讲吗？谢谢。

答：找一些独奏曲目训练技术和音乐性，找一些合奏曲目锻炼节奏感和稳定性，找一些弹唱曲目培养协调性和音准。光练基本功不弹作品肯定不可取。

练吉他是个长期有时候是很枯燥的事情，但是当你突破的时候，也是你有成就感的时候。我讲讲我的学习过程。 

1：每天保证1个半小时到2个小时的练习时间。快速地爬格子，高把位到地把位，100－150。这个速度是我现在的速度也不知道怎么样。

2：记住每首谱子里的优美的solo，自己能熟练地弹奏。一定要坚持，时间长了后结合乐理自己弹一些有自己特点的solo，不反对乱弹。

3：建议初学者先学一年指弹，然后半年匹克，然后两者结合在一起，我就是这样练的，基本上手指和匹克可以结合在一起了。

4：到一定程度后，提高自己的设备。

5：最重要的一点是对吉他的热情。首先解决柔韧性的问题。如果您的手指柔韧性难以解决，则说明您练琴已经太晚了。除拇指以外，每个手指的大关节，应当能在外力帮助下，能做到与手背垂直。这样的柔韧性是基本的。柔韧性不好，是演奏的一大障碍。许多小孩有很好的技巧，说明弹琴的阻力主要来自于手本身。试一下：用弹簧称把一个手指的指端套住并把这个伸直的手指拉到与手背垂直，看看弹簧秤的读数，读数越小，说明这个手指的柔韧性越好，弹琴时手指的自身阻力越小----练琴的年龄越小，柔韧性越容易保持。

有了基本的柔韧性，再练习相邻手指的独立平均。独立，就是相邻手指，有能力一个按压，而另一个抬起，反向运动，两组肌肉神经互不牵连，完全分开、独立。手指按压与快速抬起，用的是不同的肌肉，因为：肌肉的特性是能收缩和放松收缩。收缩给了骨节以拉力，却不能给推力。相邻手指的肌肉神经要独立，按压与快速抬起的肌肉要独立地发达。

 要做到这一点，可以这样试练：

(一） 左手中指按压：左手中指按压吉他的第六弦（也就是最粗的那根弦）的某一品，右手用拇指用力弹响，并一直保持发音，然后，左手的食指和无名指，再先后拨动一弦（最细的那根弦）。可弹成三拍子，第一拍是左手中指按压6弦、右手弹响的，这个音要保持延续三拍；第二拍是左手食指弯曲拨响的；第三拍是左手无名指拨响的。一定要慢练，就是要弹成慢三拍。然后，再在各把位练习。

 这是练习中指按压时，其相邻的食指与无名指能够反向高抬。

 注意：

1、按压的手指，每个关节都要有一定的弯曲度，每一个关节即不要太伸直，也不要太弯曲，禁止同一个手指的一个关节很伸直而另一个关节很弯曲的不自然形状。不要求用指尖按压琴弦，而是用指肚与指尖之间均可。按压的手指，应与琴品平行。

2、左手拨弦的手指，要求指尖（指甲）要与琴的指板和琴弦都垂直----难度恰在这里----左手拨弦的手指大关节几乎负弯曲（即向手背方向弯曲），而左手相邻的按压手指的大关节是正弯曲（即向手心方向弯曲）---相邻的手指神经完全反向用力，促使神经分开。

(二) 左手无名指按压：与上相同，只是把上面的中指换成无名指，而把食指换成中指、把无名指换成小指。要求也完全相同。

   明显地，这个难度有所增加，许多人会觉得相邻手指的巨大牵连。开始初练时，左手的一个手指拨弦时，按压的手指可以稍稍用一点推力，以抵消牵扯。

(三) 左手小指按压：与上道理相同，只是小指的相邻手指只有无名指一个，且一般小指较短，没必要按压第六弦，而须按压第五弦，然后无名指去拨动一弦。要求与上面的都相同。小指的中关节或小关节极不容易保持相应的弧度，要多加注意。

对于这样大的跨度，许多初练者觉得难度太大的话，可以先按压更接近一弦的弦，等练好后再逐渐远离一弦按压。

练琴时间：这个练习的争对性很强，效率很高，可以大大缩短纯机械技巧的练琴时间。一天集中精力练15分钟，几天就可明显见效。一般地，无名指按压的练习时间要多于中指按压的练习时间，而小指按压的练习则需要更多的时间----以增强弱手指按压的力量，使各手指的按压力量尽量平均化。

右手：上述练习，一样适用于右手。把吉他反抱，右手按压指板、按弦、拨弦，指型、动作、练法与上面的左手要求完全一样（只是实际发音不同，右手按压的手指按压的是高音弦，而右手拨弦的手指拨的是最低音的那根弦）。许多吉他手弹琴，右手触弦没有按、绷弦的能力，音色音量首影响，这个反练吉他的练习，可以很好地解决这个问题：右手的指力、独立性、按压绷弦的习惯、相邻手指的神经分离等等，都有莫大的好处，而且效率极高，几乎有立杆见影的奇效。

另外，如果不弹钢琴，只弹吉他，就用不着练右手的小指按压。

正式曲目的指法编排中，除了考虑音乐需要，一般也要考虑平均地使用各手指，使各手指的点击率不要相差太大，否则影响各手指的力量平均。 

问：我刚学吉他，身边有些朋友吉他弹得很好，他们指出我没有节奏感。请问节奏感可以通过训练来提高吗？有没有好的方法。多些指教！

答：

我再补充一些:

我能给的最重要的建议是：练习时一定要用节拍器。它能在帮助你增强时间感的同时提高你在乐曲结构中演奏的能力，换句话说就是能帮你不掉拍。 

一个简单的方法就是养成把音乐分成小单元并边演奏边数的习惯：学会听辨和弦的进行，并培养2小节或4小节的感觉，一开始只需要在心里数。这将对你帮助很大，如果你能习惯性的这样做，不久你就会发现你对乐曲结构的认识和感受更深刻了。  

如果你有掉拍的坏毛病，建议你在眼前放一张写有乐曲大致结构的谱子。你不必每个音符都照弹，但是乐曲的结构和和弦进行就放在你眼前会帮助你跟上，它能直观快捷的帮你找到现在弹到哪儿了。  

听你的鼓手：鼓的一个基本作用是在乐曲的一个片段结尾运用滚奏，加花，大镲等技巧给出提示。有时候鼓手也会在进入新片段时改变节奏模式或改变鼓和大镲的组合。如果你掉拍了，就可利用这些提示重新找回来。 

至关重要的是一定要作大量练耳的练习，尤其在你学习演奏乐器的最初几年。练耳是架筑在你的和声理论知识和你的演奏技巧中间的桥梁，它帮助你把理论应用到实践，这一点无论怎么强调都不过分。当你的耳朵对声音有充分的认识后，你就能听出和弦的性质和根音，结合你正演奏的和弦进行，从而保证不掉拍。因为练耳本身是一门学科，值得讨论的太多了，这里恕不细述。 

练耳的一个实际应用是：如果在演奏过程中你感到出问题了，如果你弹的和乐队其他成员弹的部分不和谐，就停下来仔细听。如果你跟不上你的同伴，继续演奏也没意义，所以你应该停下来仔细听，直到你又重新找到某个和弦的时候再跟上。相反的，如果你确信你弹的没错而乐队其他人弹的都是错的，我仍然建议你这么做，尤其在他们虽然弹错但却仍错到一块儿去的情况下：即使你是对的也请停下来仔细听，然后加入他们的演奏中。因为在乐队中演奏最重要的是要和谐，谁对谁错并不重要。你可以在演奏完这一曲以后再指出他们的错误，然后一起努力在下一次演奏时避免同样的错误。  

还要特别提一下作为有史以来最受欢迎的流行音乐形式—blues。学会在blues的基本结构中演奏，并学会识别blues乐曲的结构提示，是非常重要的。通过不断的练习和重复，你很快就会习惯于这种相对“不太匀称的”12小节结构。第5小节从‘I7’和弦到 ‘IV7’和弦的和声变化是你跟上这种结构的一个重要提示。以下是练习blues结构的一个很好的练习，你需要一个合作者或一个鼓手或一台鼓机或节拍器来协助练习： 

第一个12小节循环演奏者1：在blues12小节的结构中演奏即兴演奏者2 ：演奏一级和弦，在伴奏中加入些节奏变化，但绝对不要换和弦 

第二个12小节循环演奏者1：停止演奏，仔细听，在心里演奏和弦进行演奏者2：重复演奏第一个循环中的一级和弦 

第三和第四个12小节循环在不停下来的情况下两位演奏者互换角色。希望他们能在第三循环的第一拍就达到同步。这个练习对培养”心的听觉”很有帮助，让你很出色的掌握12小节这种结构。注意：因为一个演奏者是在完整的12小节blues和弦进行中进行独奏，而另一个演奏者始终演奏主和弦，所以他们很多时候弹不到一起，可能听上去很不和谐。但不要让这些困扰你，因为这个练习的目的就是让12小节blues进行的感觉深入你的潜意识。 

最后，还有两条关于演奏的注意事项：没有什么能代替经验，要利用一切可能的机会和乐队合作，即使你觉得自己还不够优秀也不要因为害怕而放弃这样的机会。和比自己优秀的乐手合作总能学到很多东西，尽管有些乐手可能会有些竞争的态度，但记住音乐不是体育，也不是比赛，这会很有帮助。为了你自己的乐趣去演奏，努力提高你的水平，保持积极的心态，你就能发挥你最大的潜能。如果你很紧张不放松，那你只能发挥出部分水平。 

以上提到的大部分观点都属于基本常识，正如我已经说过的，其中一些论点并不适合你的情况，或许你会认为不太切题。关于如何把握乐曲结构感，仍然希望本文能给你一些启示，对如何解决这个问题也是一个比较理性的总结。

问：我想问一下：下扫３２１　再回扫２３４，怎么样才能不扫到１弦（右手的动作是怎样）？还有我上扫时总感觉声音是散的是怎么回事？关于拍子的问题，一拍的时值多少？怎样用脚打节拍？同一个四分音符在不同的歌曲里的时值怎么不一样啊？

答：

1,多练!或者用左手消1弦音!

2,声音散发,可能扫弦动作不迅速果断,右手没放松!或者发力点不对!要靠手腕的自然甩动!

3,拍子的时值:是根据乐曲的要求而定的，比如当乐曲寻求规定的速度是每分钟60拍，那么每拍占的时间是每分钟的60分之一，也就是一秒，（半拍为二分之一秒），如果规定的速度为每分钟120拍的时候，那么每一拍占的时间是半秒钟（半拍是1/4秒），现在是半秒钟打一拍，前面是一秒钟打一拍，显然后者要比前者快，以此类推。这也就是拍子的时值，当拍子的时值定下来之后，比如四分音符为一拍时，八分音符就相当于半拍，全音符相当于4拍，二分音符相当于二拍。而十六分音符则是1/4拍，换句话说，也就是一拍里有一个四分音符，有两个八分音符，有4个16分音符。再比如以八分音符为一拍，四分音符就是两拍，二分音符是四拍，全音符是八拍，而十六分音符即半拍，这样，当拍子的时值确定后，各种时值的音符就与拍子连在一起。

4,学习节奏的理论,学会数拍子,然后用脚打拍子!

5,见3. 

问：

我想问一下下    你们说的和弦什么1 3 5      2 4 7 的   是什么意思呀   我老看不懂   我只懂看图   还有什么大三和弦什么的 ？？？

答：

1.大三和弦：根音与三音是大三度，三音与五音是小三度，用根音的大写英文字母音名来表示，如DO，MI，SOL和弦用C表示，FA，LA，DO和弦用F表示，降MI，SOL，降SI就用Eb表示，升FA，升LA，升DOL用F#表示。 

2.小三和弦：根音与三音是小三度，三音与五音是大三度，用根音的大写英文字母音名加上小写m表示，如RE，FA，LA和弦用Dm表示，MI，SOL，SI和弦用Em表示，降MI，降SOL，降SI用Ebm表示。 

3.增三和弦：根音与三音，三音与五音都是大三度，用根音的大写英文字母音名加上aug或加一个“+”。如DO，MI，升SOL和弦表示为Caug或C+，FA，LA，升DO和弦表示为Faug或F+。  

4.减三和弦：根音与三音，三音与五音都是小三度，用根音的大写英文字母音名加上dim或一个“-”。如RE，FA，降LA，表示为Ddim或D-，升DO，MI，SOL表示为#Cdim或#C-。 

5.大小七和弦：在大三和弦基础上再加小三度，用根音的大写英文字母音名加上“7”即可，如SOL，SI，RE，FA和弦用G7表示，LA，S升DOL，MI，SOL用A7表示。

6.大大七和弦：在大三和弦基础上再加大三度，用根音的大写英文字母音名加上Maj7表示，如DO，MI，SOL，SI和弦表示为Cmaj7,降SI，RE，FA，LA和弦表示为Bbmaj7. 

7.小小七和弦：在小三和弦基础上再加小三度，用根音的大写英文字母音名加上“m7”表示。如LA，DO，MI，SOL和弦表示为Am7,RE，FA，LA，DO和弦表示为Dm7. 

8.小大七和弦：在小三和弦基础上再加大三度，用根音的大写英文字母音名加上mM7表示，如DO，降MI，SOL，SI和弦表示为CmM7,LA，DO，MI，升SOL表示为AmM7. 

9.减七和弦：在减三和弦的基础上再加小三度，用根音的大写英文字母音名加上dim7表示，如SI，RE，FA，降LA和弦表示为Bdim7,LA，DO，降MI，降SOL表示为Adim7.

10.半减七和弦：在减三和弦的基础上再加大三度，用根音的大写英文字母音名加上m7-5表示，如SI，RE，FA，LA和弦表示为Bm7-5,升FA，LA，DO，ME和弦表示为#Fm7-5. 

11.加音和弦：它是指在一个以三度关系为基础的和弦上加上其它音，如加入六度音，九度音，四度音等，标记法为将这个加音的度数写于原和弦的右边，如DO，MI，SOL，LA和弦可标为C6，（LA是基于C和弦的加音），FA，LA，DO，SOL和弦可标为F9。但要注意的是，加四音和弦的写法有规定，要写sus4，并且要省去原和弦的三音，否则三音和四度音一起响会很尖锐。如DO，FA，SOL和弦标记为Csus4.（C和弦省三音加四度音）。加音以6，9，4度为多数。另外，有更复杂的理论把加音与多音和弦分开来，如FA，LA，DO，SOL和弦应标为Fadd9,而标为F9会被认为是FA，LA，DO，MI，SOL和弦。不过这只是理论而已，一般情况下用简单的加音标记法就可以让别人明白你的意思。 

12.指定和弦根音：就是在演奏该和弦是，不弹它本身的根音而根据标记弹奏。如C/G，表示演奏该和弦时把G音置于最低音。Dm/G表示演奏Dm时把G音置于最低音。也可以用On*表示同样意思，如F9OnD,实际演奏的是RE，FA，LA，DO，SOL。很明显，这种标记法可以用来表示和弦的转位。

问：

民谣吉他跟古典吉他的区分是那里呢.那个比较舒适?

答：

就是现代文学与古典文学的区别一样！舒服与否在于个人的感觉！包括人生阅历，对音乐的理解，乐理的掌握，技巧的广泛，自己的喜好。。。。。。 

问：

锤拉弦具体怎么做呢？

答：

锤拉弦可以练习左手手指力量,爬格可以练左手手指的灵活度,也可以练手指的力量和速度,其实都是基础的练习,练练都没错,其实也没什么区别不区别的,练就对了。

锤拉弦具体做法：先左手指击打“锤”那个音，接着别抬手指直接按压弦的手指向手心方向移动拨弦！

问：

什么是和弦的内音和外音呢,什么是封闭和弦,什么是开放和弦?

答：

和弦内音：组成正和弦的音。（协和和弦）和弦外音：即非和弦音。和弦外音一般为某一和弦音上方二度或下方二度的音。在音乐分析中，和弦外音分为五种：延留音、先现音、经过音、邻音和倚音。

问：

吉他世界中的－华彩．摇滚．古典．民谣．布鲁斯．能解释一下吗？

答：

★华彩的概念 ★

华彩乐段(Cadenza) 原指意大利正歌剧中咏叹调末尾处由独唱者即兴发挥的段落。后来在协奏曲乐章的末尾处也常用此种段落，通常乐队暂停演奏，由独奏者充分发挥其表演技巧和乐器性能。这部分的演奏较自由，难度也较高，因而也较引人注目。华彩乐段最初由独奏者即兴创作，后来作曲者也开始写作。就是为了增强音乐表现力，技巧性高，音乐华丽的部分。华彩就算是SOLO吧？也就是主音琴手弹奏的吉他风格的一种,旋律性较强,间奏也算,曲中加花也算!quakejc

所有运用和声的音乐都是基于音阶的。音阶的运用非常广泛，特别是在乐器的演奏中,你可以经常感觉到音阶的存在，而像吉他这样的乐器更是须臾离不开音阶。音阶就像链子一样，把各段旋律有机地串联起来，形成精彩的独奏（或伴奏）。quakejc

华彩不确切地说其实是音阶的变形，将音阶里的个别音符做一下改动或改变一下它们的排列次序和时值，一段华彩就出来了.音阶练好了，手指条件达标了，弹华彩还不跟玩儿一样!唯一要费点心的就是加进去你自己的感情了.quakejc

从演奏风格来说，吉他可以分为古典吉他、民谣吉他、弗拉门哥吉他、爵士吉他、夏威夷吉他及电吉他几个大类。民谣吉他可细分为Acoustic guitar和Cutting down(缺角琴)，前者适合演奏和弦，后者适合演奏高把位Solo。 

浅谈古典吉他音乐艺术吉他是一种弹拨乐器，但决不是一般弹拨乐器。在文艺复兴时期，吉他已风靡整个欧洲，其外形和演奏曲目，经过多少作曲家和演奏家的努力，相对固定下来，此后的几个世界吉他在乐坛上的地位忽高忽低，但在民间的影响力，与日俱增，成为不同时代、不同国度、不同种族的人们最喜爱的乐器之一。吉他具有优美的音色和丰富的表现力，成为歌剧、交响乐、室内乐、音乐剧、影视音乐、流行音乐及乡村音乐等艺术门类中不可缺少的一种乐器。在二十世纪的二十年代左右，吉他和钢琴、小提琴同时传入我国，目前这些乐器分别称为世界上的三大乐器，但是音乐是没有国界的，它是全人类的精神财富，二十年代吉他大师塞戈维亚到亚洲旅行演奏曾经在中国的上海、大连停留过，想将吉他音乐介绍给世界上人口最多的中国，但是由于中国的政治动荡不平，主事者并不热衷，拒绝了塞戈维亚的演出要求，其后塞戈维亚到了日本之后，在日本造成了极大的轰动，而从那个时候开始古典吉他风靡这个东方国家。近二十年来，吉他已在我国青少年中广泛流传，前几年虽然从整个社会来看，古典吉他爱好者，似乎有所减少，但是不能忽视的事实是，整体水平的提高已远非当年可比，据我多年来到全国各地观摩学习和交流比赛，发现一些年龄很小的都能弹出一些音乐会作品曲目，然而使一些热爱吉他者感到困惑的是，不知道学好吉他到底对自己的前途有哪些作用。如果学习吉他只是为了教吉他，那道路只能越走越窄。比赛良好的成绩也难带来什么实惠。本来演奏得很好的古典吉他手，不得已改行经商或者从事其它行业。这必将影响古典吉他演奏水平的进一步提高。但是，不容置疑，古典美是别有一番意境的，它之所以能够经得起时间的检验而经久不衰，本身就证明了其价值，因为这里存在着一种隽永、酣畅、沉稳的美，尤如一坛陈年老酒，酿存越久远，就越醇香。人类的有些感觉是很奇特的，百日里面对整个噪杂的充满现代感的城市，应付节奏日益紧快的工作和各种竞争，人们只剩下一付劳顿疲惫的身躯，很难找到好的心绪，只有当夜深人静时，才能逐渐调整好自己的心境，前提是你不再继续将自己投入那充分显示现代文明高科技的文化气氛中去，诸如高分贝的烦燥音或竭力通过放大器扩大自己歌喉音量的吵杂音中。只有在此刻，你才能舒缓正常的脉搏，平静地操琴练曲，或者静听古典音乐，去体味许多确实在很遥远的年代里那些最杰出的作曲家创作的乐曲，在这些乐曲中你能感受到一种浓郁芬芳的升华，与密集的沉淀，这是不同时代音乐的差异，并以此证明它们存在的意味深长。诚然，跨越每个年代的作品是需要精深的领悟加以理解的，但这是一种积累，更是一种自身的修养，独上高楼去演绎出曲高和寡的情致。如果没有极强的感悟性，至少也得有清心寡欲的境界，正所谓，爱到深处人寂寞，古典吉他的欣赏性是这样培养出来的，更是这样磨练出来的。那时候的作品气氛似乎更松驰些，没有现今那么浓重的商业性和人与人之间的以利益为重，也缺乏大众媒体的传播，那么作品的格调似乎更高雅些，因为它无需有意地迎合多数人的品味，这些都是我们今人应该理解并去感受的。加之东西方文化背景的差异，也是每一位爱乐者，可能在一生中都需要不断去适应这种差异和逐渐完善自己的。吉他大师耶佩斯曾说：“应该把一切想成音乐，而不是想成吉他”，可是一般人的看法都恰恰相反，有许多人高喊着吉他，而心理却别有用心，加上空洞无物的机械形式的练习，此事不禁令人感到他们遗忘音乐的质，由于这种错误的观点，结果在弹奏任何乐曲时，只注重技巧的表现方法，有些还是错误的方法，而忘了比技巧更重要的音乐文字。因此他们的演奏就丧失了魅力和光泽。象科学或文学书一样，不管记述的是抽象的或是具体的，大都能够把所要表达的概念或意思，明确地传递给读者，可是遇到音乐这种艺术时，就会发生难以预料的困难，也就是说，要借助文字或语言，把它们的内容充分表达出来，而且严明精确地让读者有清晰的概念是一件非常困难的事。由于这种原因，在学习吉他时，若要进步迅速，最好的方法莫过于跟随优秀的老师学习，直接接受指导、训练与启发，这里我们再谈谈吉他的教学。作为教师灵魂的工程师，首先要制定理想的教育和规范的计划，无论是理论和实践都要力求读懂，理解精神实质，吸收最新信息，更新音乐教育观念，通过学习不断提高自身的理论修养和实践经验，而不能漫无目的、随心所欲的施教。要充分收集、整理、分析资料得出结论。对受教者要量体裁衣，象医生治疗病人一样对症下药，要从科学性创新性应用价值以及所研究条件。施教者要对受教者讲求策略和方法。适当的方法可以事半功倍，这一点是在实践中经常可以遇到的问题。 

布鲁斯的形式布鲁斯很有意思。和其他音乐相比，它的结构更为严谨，这也正是其神秘之处！在严格的限制当中，又有着充分的自由。布鲁斯这所以伟大的原因之一，就是它多样化的表现手法掩盖了简单的形式。布鲁斯艺术家的目的，是在一首接一首模式相同的中表现出新颖、与众不同的气质。 

 “我说‘简单’，并不是说‘容易’。音乐家和听众都很熟悉布鲁斯的味道。每种流行音乐都具有多样化、个性化的特点，这样的特点在布鲁斯里是听不到的，布鲁斯音乐家在创作时都遵循形式。这就是为什么他们在录音棚里有时会‘

心有灵犀’，不谋而合，创作出经久不衰的优美旋律的原因。

 “对于艺术家来说不存在‘中间立场’。他必须不断地革新，这样他才能生存下去。我们把艺术家的创作看成是钟摆，一方面，他追求技巧的完美，另一方面，他在延长的静谧中表达飘落的树叶一般伴唱。以后我会慢慢地告诉你的。

 “你原来也许以为，我让你打响指不过是浪费时间罢了。现在你该明白我的目的了吧？我想你应该还记得数四拍子的情景，“现在跟我数拍子：一、2、3、4，二、2、3、4，三、2 、3、4，四、2 、3 、4，……。一共是三级四小节，这就是十二小节布鲁斯。数的时候别忘了速度、拍子和重音。现在我不多讲，先把它放一放再说。 

 “非洲人仍然用着鼓，因此我先给你讲拍子。唱歌就是从呼唤与应答演变而来的。你说这句话，我也说这句话，这就是反复的原型。在田野里工作的人们就是靠这个来联络他们的工作的。我们的研究就好比是让一个旋转的陀螺停下来看看它们的样子。如果它在转动，我们当然就不能看清它的全貌了。 

 “通过反复，别人能更好地明白你的意思。从反复一遍到发展成反复两遍，于是形成了ＡＡＡ的形式。美国音乐的传统就是这样形式的。本世纪初的一个夜晚， Handy在密西西比遇到一个从荒野里来的吉他手，他就把自己的歌唱了三遍。综逐渐发展成今天我们所知道的十二小节布鲁斯。这十二小节的最后三小节（每小节四拍）是发生转折的部分。由此，得到了富有诗意和乐感的解决。

 “咱们这会儿还是别谈这些题外话了。此刻我们要学一学如何按拍子统配和弦根音。你可能会说：‘这有什么难的。每拍一个和弦不就行了’。问题可没这么简单。在演奏中，四弦贝司的根音。拿把吉他来试一试。 

 “第一小节弹第六弦空弦或调主音。音阶的第四级是Ａ弦空弦，第五级是第五弦第二品的Ｂ音。照下面的十二小节和弦音配置表弹奏四分音符。一小节四拍。准备好。 

 “这是一张早期的和弦音配置表。第九小节是Ｂ，弹四拍，一拍一音。第十小节是Ａ音，也是这么弹。然后回到Ｅ。十二小节全弹完之后你该知道接下来还是一级和弦。不要错拍子。 

  “第二条是经典的布鲁斯形式。前四小节都是Ｅ，第八小节又回到这个主音，第九小节是Ｂ。这条练习的下行结束方式今天仍很常用。在重新开始之前以Ｅ音结尾。 

  “你得对第三条练习多加注意，孩子。这是个精华的例子，是真正的布鲁斯。好好学一学吧。它开始时是四小节Ｅ，然后是两小节的四级音，再弹两小节Ｅ，在第九小节用第五级音解决，第十小节下行至第四级音，第十一小节是主音，最后解决到Ｂ。在最后的四小节里有两次解决。 

 “这个十二小节的形式有许多种和声的统配的方法。学过这些花样之后，当你在听布鲁斯的时候，就能够很清楚地分辨出演奏者用的是哪一种。下面的三个例子除了最后一小节外，其他部分完全相同。第十二小节四拍都标了出来，以展示这几条例子的不同之处。现在你来象个贝司手一样演奏，第十二小节第一拍是Ｅ，后三拍是Ｂ。 

 “下面一条练习的第十二小节被分成两部分，前两拍是Ｅ，后两拍是Ｂ。和上一条练习相比，只有一个音的差别，但如果你不能掌握这个音，差别可不大了。这个音很讨厌，可能你心里想说‘略过去’，但是你的指尖却要‘弹过去’。

 “这条练习的第十二小节后三拍是按半音阶上行的，要保持拍子的准确。别太较劲了—要适度地用力，平衡地上行。和前两条练习相比，这个小节只有一Ｂ。 

 “有一半的老唱片都是按照下面的例子走了。它之所以受人喜爱，就是因为它打破了前四小节全是Ｅ的局面，在第二小节以Ａ代替了Ｅ。弹这个Ａ的时候你会觉得很有趣。开始时只弹一小节Ｅ，然后指头去按另一根弦。你要知道，我们统配这些音就象带一群小孩子做游戏一样。多练习几遍你就明白速度的意义了。 

 “这个练习的十一、十二小节被分成两部分，也就是说，两小节里面有四个和弦根音。如果速度很快，就会弹得含混不清；速度慢的时候，你就能有时间弹清楚每个四分音符及和弦的转换了。 

                                   前奏 Introductions

 “布鲁斯风格的歌曲里常用到前奏。最普通的方法，就是从十二小节布鲁斯中截取最后四小节作为前奏。你记住，我们有很多方法来研究它，其中和一种就是分析三、四个小节的片段。因此，人们选中了最后的四小节，也就是解决发生的部分。 

 “另一种常用的前奏是节选最后两小节。这两小节刚刚够吉他呈现主题。你还会发现，十二小节的最后部分如果有变化音，都可用作前奏。等我们扒带子的时候再来细谈这个问题。你以后会听到很多这类东西的。 

                         八小节的变化 Eight bar varieties

 “布鲁斯还有一种八小节的形式。它反复的时间更短，和弦转换的次数也比较多。一、四、五级的关系保持不变，拍子也还是 4/4拍。前两小节都有Ｅ，因而这种形式有一种独特的风格。注意下面练习，第六小节上行到Ｂ，这和十二小节布鲁斯中第九小节是Ｂ的情况相同。 

 “这个练习的前五小节和上面的练习相同，后三小节变化较多。我们已经练过最后两小节转换和弦的十二小节布鲁斯了。连贯地弹奏这八小节。保持拍子。 

 “最后这条练习里，Ｂ出现在三个地方。主音开始的第一小节之后接着就是五级音，这样就能够产生很吸引人的效果。注意只有最后两小节是两拍换一次和弦根音。

 “前面的例子都是Ｅ调的。下面是Ａ调的例子，一、四、五级和弦的关系与Ｅ调相同。 

 “盲人莱蒙 .杰弗逊(blid lemon Jefferson)曾经在这种十二小节的形式上多加了一小节，使其变成十三小节。但是，这种事只有在你对布鲁斯熟练掌握的基础上才能办得到。这就是‘玩布鲁斯’。你能弹一些对其他风格的乐手来说是

‘错音’的东西，而你能继续往下弹。还有的时候，你把这十二小节变成了低沉的催眠曲，低音调的主和弦不断出现反复，尽管出现了下属和弦，但听众仍然等着那处属和弦的出现，而乐手却突然停住了。只要时机选择得好，就会产生很好的效果。 

 “多听录音你就会知道什么叫‘扩展桥’了。它的前四小节全部是主和弦开始，扩展的四小节还是主和弦，就象是在扩充一个有趣的故事。八小节的主和弦之后，换用四和弦；而在一般情况下，第五小节就换四和弦了。 

 “方法太多了，孩子。我们可以从不同的角度来研究布鲁斯，可以把布鲁斯的规则和有关的知识列成音子，但是千万不要忘了一点----而这一点有时你的确会忘记的----那就是音乐。”

 老人从男子孩手中拿过吉他。“现在我来弹一个例子。你该从例子的这个方面下下功夫。我用这个速度弹，象这样分解。”老人刚开始弹，男孩就感到他的魅力了。这才是音乐----拍一个音的十二小节布鲁斯伴随着男孩有力的晃头而进行着。